Unsere Künstler

Adolf Vallazza

Als Kind von Künstlern – der Vater war Kunstschmied und die Mutter eine Tochter des bekannten Malers Josef Moroder Lusenberg – zeigte er schon in der Kindheit sein natürliches Talent für das Zeichnen und Malen.

Nach seiner Ausbildung und Lehre in einer Werkstatt eröffnete er in den 1950er Jahren sein Bildhaueratelier in St. Ulrich, und nach 20 Jahren harter Arbeit begann er, die Aufmerksamkeit der Kunstkritiker auf sich zu ziehen, was ihn bald dazu brachte, seine Werke in den wichtigsten Galerien und Museen der Welt auszustellen.

Es folgten Publikationen, Preise, Filme und Ruhm, die jedoch nie die Freiheit oder die höchst persönliche Kreativität des Künstlers, des Mannes, des Meisters Vallazza beeinflussten.

Eines Tages klopfte die Angst an die Tür. Der Mut ging hin, um zu öffnen. Es war niemand da.
Es war die verstaubte Werkstatttür von Adolf Vallazza, große Hände, tiefe Augen, Begeisterung und Leidenschaft, ein ewig jungenhaftes Gesicht.

Am Anfang war es für ihn nicht leicht, die traditionelle Bildhauerei aufzugeben, um sich neuen Dingen zu widmen, die man in Gröden noch nie gesehen hatte, einem Ort, der den künstlerischen Avantgarden gegenüber verschlossen und in der sakralen, spielerischen und touristischen Kunst verankert war.

Adolf wählte den Mut, er zeichnete seine Entwürfe, die dann zu Skulpturen wurden, und bald füllte er Häuser, Kirchen, Theater und öffentliche Plätze mit riesigen plastischen Figuren, die in die Zukunft blickten, Kunstwerke, um die Tiefe und das Glühen des Seins und der Existenz überall und für immer, an jedem Ort und zu jeder Zeit auszudrücken.

Er war der Erste, der die Balken und Bretter alter und stillgelegter Bauernhöfe wiederverwendete, um ihnen eine neue Form und ein neues Leben zu geben.

Er erfand seinen persönlichen Stil, indem er außergewöhnliche dynamische Figuren komponierte; er wählte nicht die Dimensionen, sondern die Qualität der Erhaltung und das Leben der Hölzer, die über Jahrhunderte in den Ställen, Scheunen und Häusern des Grödnertals gereift waren.

Adolf betrachtete die Hölzer lange Zeit, stellte sie dort auf, wo er sie sehen und betrachten konnte, dann zeichnete er, dann bildhauerte, schnitt, schnitzte, aquarellierte er und schließlich, wie ein glückliches Kind, montierte, fügte und verband er sie fest, mit Anmut, Geduld, Kreativität und Harmonie.

Bis vor wenigen Jahren ging Adolf täglich in seine Werkstatt, um zu arbeiten, um sich zu freuen – wie er sagte – „ein Künstler gibt alles, was er ist und hat, er tut, was er zu tun fühlt, vor allem ist und bleibt ein Künstler ein großzügiger Mensch“.

Heute, im Alter von 97 Jahren, verbringt er seine Tage in seinem Haus in St. Ulrich inmitten seiner schönsten Erinnerungen. Jeden Tag trifft er Jemanden, jeden Tag blickt er auf seinen Weg, der im Wesentlichen aus Harmonie, Schönheit und Nähe besteht.

Seine Werke sprechen aus jedem Winkel der Welt zu ihm, und er hört ihnen zu, antwortet und lächelt, weil er weiß, dass wer einen Gedanken empfängt, nicht etwas, sondern Jemanden empfängt. Jedes Mal, die ganze Zeit, immer.

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Adolf Vallazza

35m²

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Arshile Gorky

Geboren in Armenien während der osmanischen Herrschaft, vereinte er sich 1920 wieder mit seinem Vater – der bereits 1908 in die USA ausgewandert war, um dem Militärdienst zu entgehen. Seine Mutter war bereits im Jahr zuvor in Jerewan an Hunger gestorben, eine Folge des Völkermords an den Armeniern, der 1915 begann. Um seine Identität neu zu erschaffen, änderte er seinen ursprünglichen Namen (Vostanik Manoug Adoian) in Arshile Gorky und gab vor, ein georgischer Adliger und entfernter Verwandter des Russen Maxim Gorki zu sein.

In den frühen 1920er Jahren besuchte er die „New School of Design“ in Boston, wo er seine ersten Erfahrungen als Teilzeitlehrer sammelte; später lehrte er mehr als 5 Jahre lang an der „Grand Central School of Art“ in New York, die 1923 von Edmund Greacen gegründet wurde.

Anfangs vom Impressionismus beeinflusst, malte er später post-impressionistische Bilder, um sich dem Surrealismus anzunähern, wobei er auch kubistische Erfahrungen durchlief. Als einer der bedeutendsten amerikanischen Maler des 20. Jahrhunderts gefeiert, hatte er einen fundamentalen Einfluss auf die Strömung des Abstrakten Expressionismus.

Zu Gorkys künstlerischen Verbindungen zählten jene zu Mark Rothko, Jackson Pollock und Willem de Kooning. Im Jahr 1940 bezeichnete André Breton ihn als Surrealisten, nachdem er seine neuesten Gemälde gesehen hatte, insbesondere „TherLiverIs the Cock’sComb“, das er zu einem der wichtigsten Gemälde erklärte, die je in Amerika geschaffen wurden.

Privatleben: zwei Töchter aus der Ehe. Ab 1946 erlitt Gorky einige Schicksalsschläge und eine Reihe von Krisen: Sein Atelier brannte ab, er musste sich einer Kolostomie unterziehen, seine Frau hatte eine Affäre mit dem chilenischen Architekten und Maler Roberto Matta, er brach sich das Genick und der Arm, mit dem er malte, wurde bei einem Autounfall gelähmt. Seine Frau verließ ihn und nahm die Töchter mit. Im Alter von 44 Jahren erhängte sich der Maler 1948 in Sherman, Connecticut, wo er auch begraben liegt.

„Der Stoff der Gedanken ist die Saat des Künstlers. Träume bilden die Borsten des Künstlerpinsels.“

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Arshile Gorky

45m²

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Bruno saetti

Er wurde in Bologna geboren, wo er im Alter von 25 Jahren zum ersten Mal ausstellte, nachdem er sein Diplom an der dortigen Akademie der Schönen Künste erhalten hatte; die Ausstellung wurde von der Società Promotrice per le Belle Arti Francesco Francia organisiert. Ein Jahr nach dieser ersten Einzelausstellung und für weitere 14 Ausgaben wurde er zur Biennale von Venedig zugelassen.

1929 gewann er den Premio Baruzzi, und im folgenden Jahr wurde er zum Lehren an die Akademie der Schönen Künste in Venedig berufen, da er durch die Teilnahme an der Internationalen Ausstellung in Barcelona Bekanntheit erlangt hatte; in den frühen 50er Jahren übernahm er auch die Leitung der Akademie.

Als maestro frescante (Freskenmeister) für seine außergewöhnliche Freskotechnik bezeichnet, schuf Saetti unter anderem 1958 la Sacra Famiglia an der Universität Padua und 1974 das auf Leinwand freskierte Colloquio con l’angelo in der Galerie für Moderne Kunst in Bologna.

Saetti schuf bedeutende Wandfresken in Sakralbauten wie Sant’Eugenio in Rom und Santa Maria delle Grazie in Bologna; andernorts wandte er die Technik des Freskos auf Leinwand an, zum Beispiel bei Madre veneziana, einem Werk von 1937, das in der Städtischen Galerie für Moderne Kunst in Rom ausgestellt ist.

1970 lud ihn die japanische Regierung als geschätzten Freskenspezialisten ein, auf der Konferenz an der Universität Tokio zu sprechen.

Saetti deckte auch andere Bereiche der Grafik ab, wie Zeichnungen, Radierungen und Lithografien, und versuchte sich auch an der Glasdekoration und der Herstellung von Mosaiken.

In der Rolle des Malers sakraler Kunst nahm er an verschiedenen Ausstellungen teil und führte 1961 in Florenz, in der Kirche San Giovanni Battista, ein Relief aus Glaspasten-Tesserae aus.

1971 erschien seine Monografie, verfasst von Giuseppe Marchiori.

Er nahm an großen internationalen Ausstellungen teil, die die Biennale von Venedig in den osteuropäischen Hauptstädten und in Wien organisierte. Seine anthologischen Ausstellungen wurden 1975 in Venedig und 1979 in Florenz gezeigt; ebenfalls in Florenz wurde nach seinem Tod im Palazzo Strozzi eine neue Retrospektive organisiert.

Die wichtigsten italienischen Museen, darunter das Museum für Moderne Kunst in Bologna (MAMbo) und das Museo Novecento in Florenz, beherbergen seine Werke, die auch in bedeutenden Museen im Ausland vertreten sind.

Wichtige Retrospektiven, die Saettis grafischem Schaffen gewidmet waren, wurden in den Jahren 1974 und 1981 in der Galerie für Moderne Kunst in Bologna organisiert; ebenfalls 1981 wurden im Palazzo Pretorio in Prato großformatige Mosaike ausgestellt.

Eine Hommage wurde ihm von der Galleria 56 in Bologna anlässlich seines hundertsten Geburtstages im Jahr 2002 zuteil; um die Jahreswende 2004/2005 kuratierte Rossana Bossaglia die Retrospektive Bruno Saetti 1902-1984. Tra intimismo e sublimazione.

Saetti malte weibliche Akte, Mutterschaften und Landschaften, ohne den Symbolismus zu vernachlässigen, indem er beispielsweise Engelsfiguren malte. Die strenge kompositorische Strenge bildet die Grundlage eines expressionistischen Realismus, der die künstlerischen Avantgarden scheut.

Er starb 1984 im Alter von 82 Jahren.

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Bruno Saetti

28m²

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Fernand Léger

Geboren in der unteren Normandie, studierte er Architektur, bevor er 1900 nach Paris zog und sich als technischer Zeichner über Wasser hielt. Nach seinem Militärdienst versuchte er ohne Erfolg, an der Akademie der Schönen Künste aufgenommen zu werden; dann schrieb er sich an der Schule für Bildende Künste ein.

Bevor er im Alter von 25 Jahren ernsthaft als Maler zu arbeiten begann, besuchte er die Akademie 3 Jahre lang als Privatschüler und bezeichnete diese Zeit als „leere und nutzlose Jahre“. Damals waren seine Werke vom Impressionismus beeinflusst, zum Beispiel das Gemälde Il Giardino di Mia Madre; es ist eines der seltenen Werke aus dieser Zeit, das er nicht zerstörte.

Seine folgenden Werke, insbesondere Zeichnungen, legten den Schwerpunkt auf geometrische Formen, zum Beispiel das Gemälde Nudi Nella Foresta, und demonstrierten eine persönliche Form des Kubismus, die später von Kritikern aufgrund der häufigen Verwendung kreisförmiger Formen als Tubismus bezeichnet wurde. Nach und nach nahmen die Werke durch die Verwendung von Farben zusätzlich zu Weiß, Schwarz und Grün immer abstraktere Formen an.

Légers Werk wurde von seinen persönlichen Erfahrungen während des Ersten Weltkriegs beeinflusst, während dessen er zahlreiche Skizzen von Waffen, Flugzeugen und Kameraden in den Schützengräben anfertigte; aus dieser Zeit stammen Soldato con una Pipa und I Giocatori di Carte.

Nach dem Ersten Weltkrieg führte die „Rückkehr zur Ordnung“, die auch in der Kunst zu spüren war, Léger dazu, Figuren und Tiere harmonisch in die Landschaft einzufügen, inspiriert von den Werken Rousseaus, den er 1909 kennengelernt hatte. Diese Werke beziehen sich auch auf den Purismus, den von Le Corbusier und Ozenfant begründeten rationalen Stil, der die kubistische Impulsivität korrigiert; repräsentativ für diesen Stil ist Il Sifone von 1924, ein Stillleben, das von einer Campari-Werbung inspiriert wurde.

Vom Kino angezogen, widmete sich Léger dieser Kunst und zog in Erwägung, die Malerei aufzugeben; 1924 produzierte und inszenierte er das ikonische und futuristische Balletto Meccanico.

Später, im Jahr 1925, schuf er unter dem Einfluss der Theorien von Le Corbusier das erste seiner „Wandbilder“, abstrakte Zonen aus flachen Farben, die zurückzutreten oder hervorzutreten scheinen.

In den frühen 1930er Jahren nahmen organische und unregelmäßige Formen in Légers Werk immer mehr an Bedeutung zu, wie in The Two Sisters von 1935 und in den verschiedenen Versionen von Adamo e Eva.

Während des Zweiten Weltkriegs lebte Léger in den Vereinigten Staaten, lehrte in Yale und malte Werke, die von der Überlagerung natürlicher und mechanischer Elemente inspiriert waren (The Tree in the Ladder, Romantic Landscape, Three Musicians).

Nach seinem Aufenthalt in Amerika kehrte er 1945 nach Frankreich zurück, trat der Kommunistischen Partei bei und wandte sich teilweise von der Abstraktion ab, indem er Figuren von Tauchern, Maurern, Akrobaten und Ausflüge aufs Land malte. In den Jahren vor seinem Tod lehrte er in Bern, entwarf Mosaike, Glasfenster und malte die Serie The Great Parade.

Er starb 1955 in seinem Haus.

„Die abstrakte Kunst erschien als eine vollkommene Offenbarung, so dass wir den Wert der menschlichen Figur nicht mehr als sentimental, sondern als plastisch betrachten konnten.“

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Fernand Léger

35m²

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Fortunato Depero

Der vielseitige Künstler – Maler, Bildhauer, Bühnenbildner, Illustrator, Designer und Kostümbildner – wurde 1892 in Fondo im Nonstal (TN) geboren. Er zog mit seiner Familie nach Rovereto und besuchte das Kunstinstitut der k.k. Oberrealschule (Scuola Reale Elisabettina), die viele Künstler hervorbrachte, die zu Protagonisten des italienischen 20. Jahrhunderts wurden.

Nach einem erfolglosen Versuch, sich an der Akademie der bildenden Künste in Wien einzuschreiben, arbeitete er 1910 als Dekorateur auf der Internationalen Ausstellung in Turin; er kehrte nach Rovereto zurück und arbeitete, sehr von der Bildhauerei angezogen, bei einem örtlichen Steinmetz, wo er jene Fähigkeiten erwarb, die später in seiner „soliden“ und „volumetrischen“ Malerei präsent sein sollten.

1913 veröffentlichte er das Buch mit Zeichnungen, Gedichten und Gedanken Spezzature, und im folgenden Jahr stellte er in Rom aus, wo er die Futuristen Balla und Marinetti traf. Er wurde Ballas Schüler, verfasste mit ihnen das Manifest Ricostruzione Futurista dell’Universo und verfolgte anschließend Forschungen, die darauf abzielten, das Verhältnis zwischen Futurismus und zeitgenössischen Kunstströmungen zu klären.

1915 zog Depero in den Krieg und beteiligte sich an der irredentistischen Bewegung, wurde aber, als er erkrankte, entlassen; seine Tintenarbeiten über den Krieg stammen aus dieser Zeit, darunter Il Mitragliere. Nach Rom zurückgekehrt, widmete er sich neben der Malerei der Komposition von „Geräusch“-Liedern, dem Keim der „Radio-Lyrik“ des folgenden Jahrzehnts. In der Zwischenzeit traf er Picasso und half ihm bei der Kostümgestaltung, sowie den Dichter Clavel, für den er das Buch Un Istituto per Suicidi mit futuristisch-expressionistischen Zeichnungen illustrierte; ebenfalls in Zusammenarbeit mit Clavel produzierte er das Puppentheater Balli Plastici, das wegen des Fehlens von Schauspielern und wegen der von Bartók und Malipiero komponierten Musik fortschrittlich war. Er begann, seine futuristischen Wandteppiche aus farbigen Stoffen herzustellen, brachte die theatralische Erfahrung in seine Kunst ein und definierte seinen ganz persönlichen Stil, der auch in der Malerei durch die ständige Präsenz von Puppen und Robotern erkennbar ist. Da er wollte, dass die futuristische Idee ab 1918 die Menschen erreichte, gab er die Utopie einer futuristischen Rekonstruktion auf – seine Werke waren in Museen verbannt – um sich der angewandten Kunst zu widmen, was die Geburt der futuristischen Kunsthäuser inspirierte; im folgenden Jahr eröffnete er sein eigenes in Rovereto und produzierte Möbel, Werbeplakate und Einrichtungsgegenstände.

In den 1920er Jahren widmete er sich der Werbung, fertigte Plakate und Wandteppiche an, nahm an verschiedenen Ausstellungen teil und kreierte die ersten futuristischen Westen, die von den Protagonisten der Bewegung getragen wurden. 1927 begann er seine Zusammenarbeit mit der Firma Campari, der er das Gemälde Squisito al Selz gewidmet hatte; er veröffentlichte die Monografie Depero Futurista, auch bekannt als das Libro Imbullonato. Sein besonderer Standpunkt zur Werbekunst wird im Manifesto dell’Arte Pubblicitaria zusammengefasst.

1928 zog Depero mit seiner Frau nach New York, wo er das Depero Futurist House eröffnete; neben der Ausstellung seiner Werke arbeitete er in der Werbung, für das Theater, für öffentliche Plätze und entwarf Titelseiten für die wichtigsten Zeitschriften wie The New Yorker, Vogue und Vanity Fair.

1930 kehrte Depero nach Italien zurück, wo er sich mit dem neuen Kurs der futuristischen Strömung, der Aeropittura, auseinandersetzte; er war keineswegs fasziniert davon, da er ein pragmatischer Künstler war, und hörte auf, an den aerofuturistischen Veranstaltungen teilzunehmen. Obwohl er die neue Strömung gänzlich verließ, wurde er wegen seiner originellen Ideen zu einer Bezugsfigur. Er arbeitete intensiv im Werbebereich für wichtige industrielle, kommerzielle und politische Kunden; er entdeckte seine Exzentrik wieder, indem er während der autarken Periode des Faschismus Objekte aus Buxus, einem Holzersatz, herstellte, wobei er die politische Bewegung nur wegen der Arbeitsmöglichkeiten unterstützte.

Seine Autobiografie wurde 1940 veröffentlicht, und danach zog er nach Serrada di Folgaria (TN) und setzte die Erfahrung seines Kunsthauses aus; 1947 kehrte er in die USA zurück, wo der Futurismus jedoch verpönt war, da er als faschistische Kunst galt.

Er kehrte 1949 in seine Heimat zurück und arbeitete trotz seiner Enttäuschung weiter, veröffentlichte ein Manifest zur nuklearen Kunst, dekorierte und möblierte den Ratssaal der Autonomen Provinz Trient, veröffentlichte die Antibiennale und begann 1957 mit der Einrichtung der Galleria Museo Depero in Rovereto; die Galerie wurde im Jahr vor seinem Tod eröffnet.

Seit den 1970er Jahren wurde Deperos Werk abgelehnt, da es als pro-faschistisch galt und einer unbedeutenderen Strömung des Futurismus zugeordnet wurde. In den folgenden Jahren wurde seine Kunst neu überdacht und so sehr aufgewertet, dass das Mart in Rovereto nun das Haus der futuristischen Kunst Depero (Casa d'Arte Futurista Depero) als Museum wiedereröffnet und das Archiv des Künstlers in sein eigenes Archiv des 20. Jahrhunderts aufgenommen hat.

Camera da meditazione

Fortunato Depero

27m²

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Franco Angeli

Wie seine Brüder Otello und Omero nahm Giuseppe – sein wirklicher Name – den Nachnamen seiner Mutter Erminia an. Als sie krank wurde, sorgte der blutjunge Franco für sie, indem er verschiedene Arbeiten verrichtete. Darunter war insbesondere die Arbeit bei einem Polsterer, wo er Techniken des Formens und der Verwendung von Stoffen und Zuschnitten erlernte; Techniken, die er später in seinen künstlerischen Arbeiten anwenden sollte.

Als Autodidakt begann er 1957 zu malen, dem Jahr, in dem er zum Militärdienst aufbrach. In dieser Zeit begegnete er durch die Bekanntschaft mit dem Bildhauer Edgardo Mannucci Burris Informel, dessen Arbeit ihn faszinierte und zu den Werken Catrami und E da una Ferita scaturì la Bellezza inspirierte.

Eingeschrieben in die PCI (Italienische Kommunistische Partei), traf er im Parteisitz sowohl auf Tano Festa als auch auf Mario Schifano. Er verließ die Partei nach dem sowjetischen Einmarsch in Ungarn und näherte sich den außerparlamentarischen linken Bewegungen an.

Ende der 1950er Jahre stellte er erstmals in einer Gruppenausstellung in der Galerie La Salita in Rom aus, die dann 1960 seine erste Einzelausstellung ausrichtete, die eine ausgeprägte Mischtechnik (Ölmalerei mit Gaze, Verbänden, Nylonstrümpfen) zeigte. Er illustrierte diese Technik 1962 in dem Kurzfilm Inquietudine unter der Regie von Mario Carbone.

Angelis Werke repräsentieren die Gewalt der zeitgenössischen Realität, wie Tutti Cattivi i Tedeschi (O.A.S.) und Cuba, 25th July, wobei letzteres an den Sturz des Faschismus erinnert. Eine weitere Inspirationsquelle in den 1960er Jahren waren die frammenti capitolini (kapitolinische Fragmente), Symbole eines ewigen Roms – antik (Grabsteine, Ruinen, die Kapitolinische Wölfin) und modern (Hammer und Sichel oder sogar das Hakenkreuz).

In jenen Jahren drückte sich sein politisches Engagement auch in einer Reihe von Dazibaos aus, darunter Compagno Vietnamita, Berlino ’45 und Occupazione di un Monumento Equestre. Nach 1968 protestierte er gegen den Vietnamkrieg, hatte eine qualvolle Beziehung zu Marina Ripa di Meana und konsumierte exzessiv Drogen und Alkohol, wobei er sich der Gruppe der „Verfluchten Künstler“ der Scuola di Piazza del Popolo anschloss.

Er widmete sich auch der Fotografie, hauptsächlich in Schwarz-Weiß, und porträtierte vor allem seinen Freundeskreis, darunter Tano Festa, Achille Bonito Oliva, Sandro Penna und Jannis Kounellis. Er trat auch im Film Morire Gratis von 1968 auf.

Sein künstlerisches und politisches Engagement setzte sich mit der Landschaftsserie Dagli Appennini alle Ande fort, inspiriert durch den Militärputsch in Chile, sowie mit Compagni, Vietcong und anderen Werken, die der griechischen Militärjunta folgten.

Er heiratete 1975, und im folgenden Jahr wurde seine Tochter Maria geboren. 1978 nahm er an der Biennale von Venedig teil. Später umfassten seine Motive verlassene Plätze, Kirchtürme, Kapitelle und Marionetten in Form von Selbstporträts – ein wiederkehrendes Thema, das als Begleitung zu seinem Tod interpretiert wird, der 1988 in Rom eintrat.

„Wenn ein Mensch ein tiefes Unbehagen verspürt, muss er nach einem Weg suchen, nicht mehr allein zu sein; letztendlich muss es ein Interesse geben, das ihn ein Leben lang begleitet.“

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Franco Angeli

32m²

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Gino Bellante

Sein Leben war eine ständige Suche nach jenem schöpferischen Geheimnis, das fähig ist, einen Augenblick, eine Emotion, eine Erinnerung, einen kurzen oder ewigen Moment, ein gesprochenes Wort mit der Farbe des Tages oder des Abends auf der Leinwand einzufangen.
Als Autodidakt lernte er das Malen von Künstlern, die er fast zufällig traf, und durch die aufmerksame Betrachtung der Werke der großen italienischen Meister. Zeit seines Lebens reiste er oft nach Florenz, wo er von den Werken der toskanischen Macchiaioli beeindruckt war. In jener Ausdruckstechnik verfeinerte er seinen persönlichen malerischen Ansatz und beschloss im Alter von 47 Jahren, die Leitung des Familienhotels aufzugeben, um sich ganz der Malerei zu widmen.

Während seiner langen künstlerischen Reise stellte Gino hauptsächlich in Italien aus und sammelte überall Preise, Erfolge und Anerkennung. Er war eine lokale malerische Stimme, durchdrungen von jenen Farben, die er jeden Tag aus den Fenstern seines Ateliers betrachtete oder entlang der Pfade und Landstraßen rund um Cavalese suchte.
Oft widmete er sich dem Malen von Stillleben, Blumen, Früchten, Alltagsgegenständen, aber seine Sensibilität, beeinflusst von den großen französischen Impressionisten, allen voran Monet und Cézanne, drückte sich am besten im Freien aus, indem er Wiesen und Bäume malte, Häuser aus der Ferne, schwebende Horizonte wie sein Voranschreiten im Dasein, immer langsam, mit Neugier, Vertrauen und Beständigkeit.

Von vorzüglicher Machart sind die Porträts, die er mit großer künstlerischer Brillanz malte. In den Gesichtern älterer Frauen und insbesondere der Mutter liegt eine Einladung, die Zeit zu verlangsamen und die kleinen Samen des täglichen Glücks zu genießen, ohne die Müdigkeit und den Schmerz zu vergessen, mit denen gelebte Leben übersät sind. Gino, mit einem dichten und langen Bart, arbeitete bis zum Ende weiter; er schenkte Zeichnungen, kleine Bilder, Farbspuren auf der Rückseite neuer Postkarten an jene, die ihn besuchten, als Zeichen der Einfachheit der Kommunikation, seine Art, sich auszudrücken, um zu nähren und zu teilen. Viele Häuser im Fleimstal bewahren stolz seine Werke, seine Landschaften, seine Worte. Und jene Farben spiegeln oft den Sinn des Seins und Lebens wider, den wir ohne die Vitalität der Kunst oft vergeblich suchen.

Camera da meditazione

Gino Bellante

27m²

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Giovanni Segantini

Er war ein italienischer Maler, einer der bedeutendsten Vertreter des Divisionismus; er wurde in eine arme Familie in Arco geboren, das damals unter österreichischer Herrschaft stand.

Im Alter von 7 Jahren, da seine Mutter verstorben war, wurde er seiner Halbschwester in Mailand anvertraut. Ohne eine wirkliche Familie führte er ein vagabundierendes Leben, das dazu führte, dass er 1870 verhaftet und in eine Besserungsanstalt eingesperrt wurde, wo er drei Jahre blieb. Später wurde er seinem Halbbruder Napoleone anvertraut, für den er als Ladenbursche in dessen Geschäft in Borgo Valsugana (TN) arbeitete; er liebte schon immer das Malen und war künstlerisch begabt, sodass er 1874 nach Mailand zurückkehrte, wo er drei Jahre lang Abendkurse an der Akademie der Schönen Künste von Brera besuchte. Dank des Einkommens aus seiner Arbeit in einer Werkstatt und durch Zeichenunterricht gelang es ihm dann, zwei Jahre lang reguläre Kurse in Brera zu besuchen, wobei er sich mit lokalen Künstlern anfreundete, darunter der Maler Emilio Longoni und der Schriftsteller Carlo Morenzi; er stellte in Brera aus und erhielt, von Kritikern bemerkt, seine ersten Anerkennungen.

Unter seinen frühen Werken, die vom lombardischen Realismus beeinflusst waren, ragen die Mailänder Ansichten Il Naviglio a Ponte San Marco und Il Coro della Chiesa di Sant’Antonio heraus. 1881 zog er in die Brianza, um mit Unterstützung von Vittore Grubicy zu arbeiten, den er Jahre zuvor in Mailand kennengelernt hatte; er arbeitete mit Longoni zusammen und entwickelte originelle und sehr persönliche Ausdrucksformen. Die Werke dieser Periode sind von bäuerlicher Inspiration und Ansichten der Brianza; die ersten Meisterwerke entstanden, wie La Raccolta dei Bozzoli (1882), Zampognari in Brianza (1883) und A Messa Prima (1885). Er erhielt den ersten internationalen Preis und gewann die Goldmedaille in Amsterdam für Ave Maria a Trasbordo und in Antwerpen für La Tosatura delle Pecore; der definitive Erfolg dieser naturalistischen Periode kam mit der Komposition Alla Stanga (1885), die heute in der Nationalgalerie für Moderne und Zeitgenössische Kunst in Rom ausgestellt ist.

1894 zog der Maler von Savognin nach Maloja in der Nähe von St. Moritz im Oberengadin, auf der Suche nach einem einsamen und mystischen Leben. Hier, inspiriert von der majestätischen Alpenlandschaft, konzipierte er das ehrgeizige Projekt eines Triptychons für den Engadiner Pavillon auf der Weltausstellung in Paris im Jahr 1900; die Realisierung des Werkes war zu teuer und er erhielt keine finanzielle Unterstützung von den Hoteliers des Tals, weshalb das Werk, in der Größe reduziert, zum berühmten Trittico della Natura wurde, das im italienischen Pavillon ausgestellt wurde. Im Alter von 41 Jahren starb der Maler 1899 an einem plötzlichen Anfall von Bauchfellentzündung, während er auf dem Schafberg in der Nähe von Pontresina malte.

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Giovanni Segantini

40m²

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Josef Costazza

Als Autodidakt führte ihn die Leidenschaft für Malerei und bildende Kunst dazu, sich professionell der Kunst zu widmen. Costazzas bevorzugte Technik ist die Ölmalerei, aber er experimentiert auch mit Aquarell, Pastellkreide und Kohle.

Seine Landschaften offenbaren seine persönliche künstlerische Idee, die Elemente – Berge, Häuser, Menschen, Tiere – zu einem realen, aber magischen, zeitlosen und fast metaphysischen „Unikum“ zu synthetisieren; die menschlichen Figuren verschmelzen mit der Landschaft und werden zu einem integralen Bestandteil.

Costazzas wesentliche, schnörkellose Art macht die Technik und die Motive des Künstlers unverwechselbar. Die stille und manchmal schroffe Ausdruckskraft, die der Künstler seinen einfachen Figuren und Tieren verleiht, ist klar erkennbar.

Seine Werke wurden sowohl in Einzel- als auch in Gruppenausstellungen in vielen Galerien in Trentino-Südtirol, in anderen italienischen Städten wie Mailand und Padua sowie im Ausland, in Österreich, Innsbruck und Wien, ausgestellt.

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Josef Costazza

40m²

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Karl Plattner

Als Sohn eines Südtiroler Vaters und einer österreichischen Mutter war er das jüngste von zehn Geschwistern einer sehr armen Familie. Sein Vater, ein Spengler, starb, als Karl erst vier Jahre alt war.

Nach Abschluss der Schulpflicht malte er in seiner Freizeit nach der Arbeit; er arbeitete als Handlanger bei einem Anstreicher in Mals; später wechselte er zu einem Lackierer in Brixen, wo er den österreichischen Maler und Restaurator Fasal kennenlernte, für den er später arbeiten sollte. Er lernte die Geheimnisse der Freskomalerei und verbesserte seine Maltechnik.

Im Zweiten Weltkrieg zum Militärdienst für Italien einberufen, wurde er jedoch beurlaubt, da er bald für die deutsche Staatsbürgerschaft optierte; bevor er nach Deutschland aufbrach, wurden ihm mehrere Gemälde von Bauernhöfen in Auftrag gegeben, die deren Besitzer mit nach Deutschland nehmen wollten, da sie sich entschieden hatten, dorthin zu ziehen.

Er schrieb sich an der Berliner Kunstakademie ein, die er jedoch nicht besuchen konnte, da er zum Militärdienst in die deutsche Wehrmacht eingezogen wurde; 1943 erhielt er Studienurlaub und konnte für ein Semester die Akademie in Berlin besuchen.

Am Ende des Krieges kehrte er in sein Tal zurück und organisierte 1946 seine erste Einzelausstellung.

Anschließend besuchte er die Akademien in Florenz und später die Brera in Mailand.
Ende der 1940er Jahre verbrachte er ein ganzes Jahr in Paris, wo er bei dem Maler und Illustrator André Lhote studierte.

Danach kehrte er nach Italien zurück, nach Florenz, Mailand und Südtirol, wo er verschiedene Kirchen mit Fresken ausstattete, darunter jene in Prad am Stilfserjoch und Mals.

1950 kehrte er nach Paris zurück, lernte seine zukünftige Frau Marie Joseph kennen und führte die Vorarbeiten für das Kriegerdenkmal in Naturns und Mals durch. Das Werk wurde von Unbekannten beschädigt und dann auf Betreiben der Kirche, der das Werk nicht gefiel, verhüllt; es wurde erst 1968 restauriert.

Er zog für eine Weile nach Brasilien, wo er in São Paulo ausstellte und wo seine älteste Tochter geboren wurde. 1955 kehrte er nach Bozen zurück, um die Fresken im Sitzungssaal des Landtags zu malen; in den folgenden drei Jahren kehrte er nach Brasilien zurück, organisierte Ausstellungen und schuf ein Fresko im Hauptsitz der Zeitung Folha da Manhã.

1958 kehrte er endgültig nach Europa zurück und arbeitete in Südtirol, Frankreich und Österreich. 1963 stellte er erfolglos in Mailand aus und schuf anschließend den anspruchsvollen Freskenzyklus in der Kapelle der Europabrücke, dem beeindruckenden österreichischen Viadukt über das Wipptal, zwischen Brenner und Innsbruck.

1976 wurde ihm das Österreichische Ehrenzeichen für Wissenschaft und Kunst verliehen.

1978 zog er mit seiner Familie erneut nach Paris und dann aufgrund seiner Krankheit zur Behandlung nach Südfrankreich. In dem kleinen Dorf Cipières verbrachte er den Rest seines Lebens, unterbrochen von kurzen Aufenthalten in Paris, in seinem Tal in Burgeis und in Mailand, wo er am 8. Dezember 1986 starb.

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Karl Plattner

30m²

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Lome

Lome ist der Künstlername von Lorenzo Menguzzato. Er wurde in Trient geboren, wo er noch heute lebt und arbeitet. Er ist auch Gründer und Kurator des Bosco dei Poeti, einem künstlerischen Projekt in Dolcè in der Provinz Verona.

1983 besuchte er die Internationale Grafikschule in Venedig bei Riccardo Licata; er absolvierte die dortige Akademie der Schönen Künste, wo er Schüler des Malkurses von Emilio Vedova war; seine Abschlussarbeit behandelte Giulio Turcato.

1989 gewährte ihm die Stadt Trient ein Stipendium für den Besuch der Werkstatt des Kupferstechers und Druckers Giorgio Upiglio in Mailand.

1996 gewann er den Preis La Colomba in Venedig und den Preis für zeitgenössische Kunst A. Volpi in Pisa.

Er nimmt an zahllosen Ausstellungen in Italien und im Ausland teil, darunter in Trentino-Südtirol im Palazzo delle Albere und in der Städtischen Galerie für Zeitgenössische Kunst, beide in Trient, im Museum für Moderne und Zeitgenössische Kunst (MART) in Trient und Rovereto, im Diözesanmuseum und im Palazzo Libera in Villa Lagarina, im Museum für Moderne Kunst und auf Schloss Maretsch in Bozen.

Außerhalb der Region stellte er im Museum Casabianca in Malo (Provinz Vicenza), im Museum Parisi Valle in Maccagno (Provinz Varese), im Museum für Moderne Kunst in Gazoldo degli Ippoliti (Provinz Mantua) und in der Fortezza da Basso in Florenz aus.

Unter den Ausstellungen im Ausland erinnern wir an jene in Österreich, Salzburg (Einzelausstellung im Traklhaus) und Klagenfurt (Stift Viktring), in Portugal, Coimbra (Museu da Ciência der Universität Coimbra), in Spanien, Santiago de Compostela (Centro Galego de Arte Contemporánea) und in Übersee Toronto (Museum of Ornamental Post).

Er schuf mehrere Objektbücher in Zusammenarbeit mit dem Kunstkritiker und Dichter Luigi Serravalli und der Dichterin Alda Merini,

Im Jahr 2005 gewann er den Preis Telecom Italia Contagiare Bellezza, der ihm vom Präsidenten Umberto Eco überreicht wurde.

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Lome

32m²

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Luigi Pederiva

Im Tal war er als „IgiPitor“ bekannt, ein Freigeist und eine impressionistische Seele mit der Staffelei auf der Schulter, ein unermüdlicher Reisender und ein Träumer auf seine eigene Art, wie alle Träumer, Seiltänzer und Magier.

Geboren in Soraga, damals österreichisches Land – woran er gerne erinnerte –, wuchs er zwischen Bergfeldern und Wiesen auf. In fast 100 Jahren erlebte Igi zahlreiche historische und soziale Veränderungen, die seinen kulturellen und künstlerischen Lebensraum radikal wandelten, indem er die Fülle und Leere des Lebens und der Existenz durchlebte und sich ihnen stellte.

„Es gibt 3 Farben – sagte er – alles andere ist nur ein Kaleidoskop“, und lachend widmete er sich wieder seinen Ausflügen nach Venedig oder nach Fuciade mit seinem Freund Sergio, oder seinen Reisen durch Italien und Europa, um auszustellen, oder seinen Fahrten auf der Lambretta mit seinen Farben und Leinwänden.

Wer den Menschen hinter dem Künstler kannte, weiß, dass Igi zwei verschiedene Ausdrucksweisen für seine Werke hatte: eine der Nützlichkeit, wie die Landschaftsmalerei, die andere, die präziseste, die aus dem liebenden Herzen und dem träumenden Geist kam, unterstützt von einem klaren, faszinierenden und freudigen Gedanken.

In seiner künstlerischen Laufbahn schuf er über 5.000 Werke, hauptsächlich Dolomitenlandschaften, aber auch Meer und Gondeln, Porträts, Stillleben und mehr.

Und heute erinnern seine Werke in den Häusern von Fassa und darüber hinaus an die Farben der Frische, daran, dass das Leben und das Draußensein eine Entscheidung war, die jenseits aller Vernunft und alles Bösen getroffen wurde, wie ein Spiel, ein Geschenk oder ein freies Lied.

Am Ende ging Igi singend von uns, nachdem er alle auf seine eigene Art gegrüßt hatte, wie immer, wie er es zu tun pflegte. Schließlich sind die Farben immer noch 3 und alles andere ist mehr denn je ein Kaleidoskop.

Junior suite

Luigi Pederiva

28m²

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Mario Schifano

Er wurde in Homs geboren, einer Stadt im damaligen Italienisch-Libyen, wo sein Vater Angestellter des Ministeriums für öffentliche Bildung war.

Als vielseitiger Künstler ist er nicht nur Maler, sondern auch Regisseur, Schauspieler und Rockmusiker. Überschwänglich und produktiv, wird er aufgrund seiner Drogenabhängigkeit als verfluchter Künstler bezeichnet.

Gegen Ende der 50er Jahre nimmt er an der Kunstbewegung der Scuola di Piazza del Popolo teil, an der Seite, unter anderem, von Franco Angeli und Tano Festa. Die Künstlergruppe trifft sich in einer bekannten Bar in Rom, dem Caffè Rosati, das direkt an der Piazza del Popolo liegt. Zu den anderen Intellektuellen, die das Lokal besuchen, zählen die Schriftsteller Pasolini und Moravia sowie der Regisseur Fellini.

Aus dem Jahr 1959 stammt seine erste Einzelausstellung in der Galleria Appia Antica in Rom. Seitdem etabliert sich Schifano im weltweiten kulturellen Panorama dank einer sehr intensiven künstlerischen Produktion.

Ebenfalls in Rom stellt die Gruppe 1960 gemeinsam in der Galleria La Salita aus, während Schifano im folgenden Jahr eine Einzelausstellung in der Galleria La Tartaruga hat.

Bei seiner ersten Reise nach New York lernt er Andy Warhol kennen, besucht dessen Factory und nimmt aktiv an den vom New American Cinema Group geförderten Veranstaltungen teil.

Im Anschluss an diese Reise wird er eingeladen, an der Ausstellung New Realists teilzunehmen, zusammen mit Roy Lichtenstein, Warhol und anderen aufstrebenden Künstlern der Pop Art und des New Realism.

Nach seiner Rückkehr aus New York nimmt er an Ausstellungen in Paris, Mailand und Rom teil; 1964 ist er Gast auf der XXXII. Internationalen Kunstausstellung. Aus dieser Zeit stammen die Bilder Paesaggi Anemici und die ersten 16-mm-Filme Round Trip und Reflex, dank derer er sich als prominente Figur des italienischen Experimentalfilms auszeichnet.

In Rom lernt er, neben dem Umgang mit dem Dichter Ungaretti und dem Regisseur Ferreri, Ettore Rosboch kennen, mit dem er die Leidenschaft für Musik teilt. Die beiden Freunde reisen oft nach London, wo sie die Rolling Stones kennenlernen. Ihr Stück Monkey Man aus dem Jahr '69 ist Schifano gewidmet.

Nach seinen Teilnahmen an den Biennalen von San Marino und São Paulo in Brasilien 1965 widmet er sich dem Kino und arbeitet 1967 mit Marco Ferreri für L’Harem zusammen. Dank Ferreri produziert Schifano die Trilogia per un massacro, bestehend aus den drei Spielfilmen Satellite (1968), Umano non umano (1969) und Trapianto, Consunzione, Morte di Franco Brocani (1969).

Achille Bonito Oliva nimmt in der Ausstellung Vitalità nel negativo nell’arte italiana 1960/70 von 1971 einige Bilder von Schifano auf. Beeinflusst von nordamerikanischen Künstlern wie Jasper Johns, verwendet er in seinen Werken Zahlen und Buchstaben als einzelne Elemente.

Mario Schifano ist auch sehr bekannt für die Serien Propagande, die den Marken Coca-Cola und Esso gewidmet sind; die Paesaggi Anemici, die Vedute interrotte, L’albero della vita und die Campi di grano sind klare Beispiele für Pop Art.

Die Leidenschaft für die Fotografie regt ihn dazu an, Mischwerke zu schaffen, die tele emulsionate, fotografische Bilder, auf denen er mit Malerei auf nicht invasive Weise interveniert.

Schifano ist ein Pionier in der Nutzung von Technologie für seine künstlerische Produktion; er gehört zu den ersten, die den Computer nutzen, indem er Bilder auf emulgierten Leinwänden bearbeitet (die tele computerizzate).

Als sehr produktiver Autor von scheinbar einfachen Werken gerät er ins Visier von Fälschern, besonders nach seinem Tod durch Herzinfarkt im Alter von 64 Jahren.

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Mario Schifano

29m²

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Michele Cascella

Er begann seine künstlerische Ausbildung unter der Leitung seines Vaters und hatte 1907 seine erste Einzelausstellung bei der Famiglia Artistica Milanese.

In den folgenden Jahren, bis zum Ersten Weltkrieg – an dem er später teilnahm –, richtete er eine Ausstellung in Paris in der Galerie Druet aus und nahm am Salon d’Automne teil. Er stellte auch in Rom im Opernhaus aus und arbeitete mit seinem Vater Basilio an der „Grande Illustrazione Italiana“ mit Zeichnungen und Grafiken zusammen, wobei er auch in Mailand ausstellte.

Nach dem Krieg, 1919, traf er Carlo Carrà, der ihm half, seine in Rom in der Galleria Bragaglia abgehaltene Einzelausstellung in die Galleria Lidel nach Mailand zu verlegen, der Stadt, in der er sich im folgenden Jahr dauerhaft niederließ. Hier verbrachte er Zeit mit dem Dichter Clemente Rebora, der einige seiner Werke inspirierte.

In den späten 1920er Jahren reiste er durch ganz Italien und nach Paris und gewann 1937 die Goldmedaille auf der Internationalen Ausstellung. Zurück in Mailand entwarf er das Bühnenbild für die Oper Margherita da Cortona, die an der Scala aufgeführt wurde.

Von 1928 bis 1942 nahm er kontinuierlich an der Biennale von Venedig teil, und 1948 wurde ihm ein eigener Saal gewidmet.

Nachdem er Ende der 1930er Jahre nach Portofino gezogen war, ließ er sich später für viele seiner Werke von der bezaubernden ligurischen Stadt inspirieren.

In den 1950er Jahren schuf er rund vierzig Zeichnungen für die Società Italiana di Ceramica von Laveno. Die Serie mit dem Titel L’Italia vista da Michele Cascella wurde für die Dekoration von feinem Tafelgeschirr verwendet.

Nach dem Krieg stellte er international in Paris, Buenos Aires, Montevideo und den Vereinigten Staaten aus, wo er lange Zeit lebte, abwechselnd mit Aufenthalten in Italien, insbesondere auf dem Land in der Nähe von Colle di Val d’Elsa.

Cascellas Talent als Kolorist war schon in seinen frühen Werken offensichtlich, wie Primavera presso Ortona, Figure sulla Pescara und Trabocco di San Vito, die zu den modernsten der zeitgenössischen italienischen Kunstszene gehörten.

Später nahm sein Schaffen einen symbolistischen Charakter an, mit impressionistischen Experimenten, wie in den Werken La Giacca Rossa und Giallo e Verde (1918) zu sehen ist.

Die Definition eines „Landschaftsmalers der Dämmerung“, im Gegensatz zu den Exzessen des elitären Intellektualismus, war nicht reduktiv; vielmehr bestätigte sie Cascellas höchst persönlichen Stil, unberührt von den avantgardistischen Bildströmungen des 20. Jahrhunderts.

Cascellas Werke – nicht nur Gemälde, sondern auch Serigrafien, Radierungen, Lithografien und Chromolithografien – sind in renommierten Museen in Italien und im Ausland ausgestellt, darunter im Victoria & Albert Museum in London, im Jeu de Paume in Paris, im Musée d’Art Moderne in Brüssel und in der Galerie der Universität von Santa Clara in Kalifornien.

Von beträchtlicher Bedeutung sind auch seine Frauenporträts, die mit raffinierten prä-futuristischen Techniken ausgeführt wurden.

   

„Als Michele Cascella beschloss, Künstler zu werden, sagte ihm sein Vater Basilio, während er ihm Farben und Pinsel zeigte, dass er erst an dem Tag lernen würde, was Malerei sei, an dem er fähig wäre, die Luft zu malen. Michele hat das nie vergessen, er hat immer versucht, dieses Ziel zu erreichen. Als es ihm gelang, erzählte er es als guter Individualist niemandem. Seine innere, nie zur Schau gestellte Befriedigung genügte ihm. Ich kümmere mich weiterhin um Michele Cascella, damit seine Kunst weiterlebt.“

     

 

   

„Zu Lebzeiten geschmäht, weil er zu nachsichtig gegenüber der Popularität war, weil er zu ‚kommerziell‘ war, wie man zu sagen pflegte, nimmt Cascella nun seine Rache. Neunzehn Jahre nach seinem Tod hätten ausgereicht, ihn nicht nur aus den Köpfen der Kritiker, sondern auch aus denen der Öffentlichkeit zu tilgen. Aber hier ist er wieder unter uns, und wir beschäftigen uns immer noch mit ihm. Seine bewusst einfache Kunst, die sich der Identifizierung einer instinktiven Idee von Schönheit widmet, die so teilbar wie möglich ist, fast franziskanisch in der Auffassung der Bedeutung der Natur, ein Sermo communis, wo ein Seestück immer ein Seestück ist und eine Blume eine Blume.“

     

Camera da meditazione

Michele Cascella

25m²

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Othmar Winkler

Sein Vater verließ ihn, als er ein kleines Kind war, um sein Glück in den USA zu suchen, und vertraute ihn dem Waisenhaus in Brixen an, unweit von Bruneck, wo er geboren wurde; beide Orte und die heutige Region Trentino-Südtirol standen damals unter der Herrschaft der Habsburger.

Im Alter von 19 Jahren zog er nach St. Ulrich in Gröden, wo er die dortige Fachschule besuchte. Der Direktor der Schule, Prof. Sella, schätzte die Skulpturen des jungen Schülers.

Nach Abschluss seines Studiums zog er 1928 zu Emil Demetz, einem befreundeten Bildhauer, der in Acqui im Piemont lebte. Dank der Freundschaft mit Demetz fand er nach ein paar Jahren die Möglichkeit, in die Hauptstadt zu ziehen, wo er zum ersten Mal ausstellte. Nach einer sehr positiven Kritik in der Zeitschrift „Oggi e Domani“ besuchte auch Mussolini die Ausstellung. Beeindruckt von Winklers Werken kaufte der Duce eine seiner Arbeiten und bestellte den Bildhauer in den Palazzo Venezia, wo er 1932 sein eigenes Porträt, eine Holzskulptur, in Auftrag gab.

Im selben Jahr lud ihn der NS-Propagandaminister Goebbels nach einem Treffen in der deutschen Botschaft in Rom nach Berlin ein. Fünf Jahre später reiste er nach Oslo, wo er den Maler Edvard Munch traf.

Vor Beginn des Zweiten Weltkriegs kehrte er nach Italien zurück, wo er beschloss zu bleiben und 1943 für kurze Zeit in St. Ulrich unterrichtete; wegen seiner unangepassten Persönlichkeit wurde er entlassen. Danach ging er nach Trient, da er eine Anstellung beim dortigen Amt für Schöne Künste fand.

Er zog ins Trentino, um beim Amt für Schöne Künste in Trient zu arbeiten, wo er seinen ersten Kreuzweg für die Kirche San Udalrico in Lavis schuf; hier arbeitete er auch als Dolmetscher, eine Tätigkeit, die ihn nach Montecassino geführt hätte, aber er beschloss, ins Val di Rabbi zu fliehen. Hier schnitzte er Holzaltäre; sakrale Holzkunst war auch das wiederkehrende Thema seines Werkes, darunter viele Kreuzwege. Die Kirche Santa Maria Bambina im gleichnamigen Institut in Trient besitzt vielleicht den berühmtesten davon.

Nachdem er die sakrale Holzkunst zugunsten der Bronzeskulptur mit profanen Themen aufgegeben hatte, schuf er in der zweiten Hälfte der 50er und den frühen 60er Jahren verschiedene Werke, darunter den Bronzezyklus über „Die grundlegenden Arbeiten des Menschen“ (I lavori fondamentali dell’Uomo) in Bozen, das Denkmal für Pater Haspinger in St. Martin in Gsies und das Gefallenendenkmal in Brixen. Der Friedhof von Trient hingegen beherbergt zwei seiner Werke aus Marmor: die Büsten von Cesare Battisti und Alcide Degasperi.

Während der Jahre der 1968er-Proteste fertigte er Hunderte von Skizzen der Protagonisten an, der Studenten der neugegründeten Fakultät für Soziologie in Trient. Im gleichen Zeitraum waren seine grafischen Arbeiten auch von der Figur des Michael Gaismair inspiriert, dem Anführer der Bauernkriege im 16. Jahrhundert.

In Straßburg, am Sitz des Europäischen Parlaments, wurde 1994 die Geschichte des Trentiner Volkes ausgestellt. Später wurde dieselbe Ausstellung in Anwesenheit von Erzherzog Otto von Habsburg in Arco (TN) eröffnet. Das Bronzewerk „San Francesco straziato“ war ein Geschenk des Künstlers an die Stadt Assisi, die 1998 vom Erdbeben betroffen war.

Othmar Winkler starb im folgenden Jahr in Trient, wurde aber auf dem kleinen Friedhof in Feldthurns (BZ), seiner Wahlheimat, wo seine Mutter lebte, begraben.

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Othmar Winkler

35m²

2/3

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Ragev Michail Ivanovich

Er absolvierte seine ersten Kunststudien in Abai, im Gebiet Karaganda, an der dortigen Fakultät für grafische Künste des Pädagogischen Instituts. Er nahm an keinen Ausstellungen teil und trat dem Künstlerverband erst nach dem Zerfall der Sowjetunion im Dezember 1991 bei. Ende der 1980er Jahre wirkte er an der Gestaltung des Museums mit, das Nikolai Rerich, dem russischen Maler, Schriftsteller und Archäologen, in Ujmon im gleichnamigen Becken des Altai-Gebirges gewidmet ist. Die ersten Ausstellungen, an denen er teilnahm, gehen auf die Jahre zwischen 1995 und 1997 zurück, als Gast der Galerien unter der Leitung des Kosteewo-Museums für Republikanische Kunst, genannt „Paraden von Kasachstan“. Er war Mitgestalter der internationalen Ausstellung „La Canzone del Coachman“ in der Hauptstadt Alma-Ata im Jahr 1998.

In der Zwischenzeit zog er nach Lipezk in Russland, wo er seine erste Einzelausstellung mit dem Titel „Arte Non Venale“ eröffnete; in seiner eigenen Wohnung wurden Gemälde und Kompositionen verschiedener Art ausgestellt. Zwischen 2002 und 2005 nahm er an verschiedenen Wettbewerbsausstellungen mit dem Titel „Künstler-Lehrer“ teil und erhielt mehrere Auszeichnungen.

Heute setzt sich sein künstlerisches Schaffen neben seiner Karriere als Lehrer an einem Institut in Lipezk fort. Mehrere Privatsammlungen in Russland, Kasachstan, Italien und Deutschland zeigen seine Werke.

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Ragev Michail Ivanovich

35m²

2/3

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Riccardo Schweizer

Geboren als Riccardo Antonio Svaizer, waren seine ersten Werke Fresken, die er im Alter von 11 Jahren malte und die noch heute zu sehen sind. Bevor er sich 1945 am Kunstinstitut Carmini in Venedig einschrieb, besuchte er Kurse am Technischen Institut in Belluno.

In den frühen 1950er Jahren zog er an die Côte d’Azur, um Picasso, Chagall, Léger, Le Corbusier, Cocteau und den Dichter Paul Éluard zu treffen.

Zurück in Italien und nach seinem Abschluss an der Akademie der Schönen Künste in Venedig lehrte er für kurze Zeit im Trentino, gab dies jedoch nach einem Monat auf, da er von Bruno Saetti gerufen wurde, der ihn als Assistenten an der Akademie haben wollte; er lehrte Malerei und wurde zusammen mit Maderna, Nono, Strawinsky, Vittorini, Quasimodo, De Pisis und vielen anderen Teil der Avantgarde des venezianischen Kulturkreises.

1960 verließ er die Akademie von Venedig, um sich an der Côte d’Azur niederzulassen und sich der Keramik zu widmen. In den folgenden Jahren entstanden die ersten Wandarbeiten, darunter Apoteosi della Tecnica für das Verlagsinstitut Mailand sowie Acryltafeln und Fresken für zwei Hotels in San Martino di Castrozza.

Nach der Hochzeit 1963 und der Geburt seiner Töchter Barbara und Monica begann eine fruchtbare Zusammenarbeit mit der Firma Ceramica Pagnossin in Treviso, die bis in die zweite Hälfte der 1970er Jahre andauerte und mit dem Flachrelief für die Thermen von Levico eingeleitet wurde.

1978 verwirklichte er das Konzept des Gesamtkunstwerks (Architektur-Malerei) mit der Innenausstattung des Restaurants Da Silvio in San Michele all’Adige: von den dekorativen Paneelen an den Wänden über die Beleuchtungskörper bis hin zu verschiedenen Geräten und Werkzeugen wie Specksteinen zum Kochen am Tisch. Das Restaurant gehört heute zum Kulturerbe des Trentino. Im Jahr zuvor hatte er ein großes Paneel für den Sitzungssaal des Agrarinstituts geschaffen. In den 1980er Jahren führte der vielseitige Künstler Projekte verschiedenster Art durch, darunter die 3 Fassaden des Rathauses von Carros im Kanton Nizza, wo er mit einer neuen Technik auf Basis von Oxiden und Beton experimentierte.

Schweizer erhielt zahlreiche Preise und Anerkennungen, darunter den Sieg beim internationalen Wettbewerb für die Dekorationen im Palais des Festivals et des Congrès in Cannes 1982, die Goldmedaille auf der 10. Biennale, den Premio Murano, den 2001 verliehenen Titel „Cavaliere della Repubblica“ sowie die Mitgliedschaft in den prestigeträchtigen Akademien der Agiati und der Accesi im Trentino. Er starb im September 2004 in Casez, im Nonstal (Val di Non).

„Es wäre nicht genau, ja sogar einschränkend, Dich nur in den Bereich der Malerei einzuordnen. In diesem Aspekt Deiner Arbeit könnte man Dich als ‚Artist-Painter‘ bezeichnen, wie die Franzosen sagen; wie es, so glaube ich, auch der Fall ist, wenn es sich um Menschen mit echtem Talent handelt.“

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Riccardo Schweizer

40m²

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Umberto Moggioli

Moggioli, einsam und nachdenklich, widmete sich in dieser Zeit der Landschaftsmalerei. Später stellte er 1909 auf der Biennale von Venedig aus; zusammen mit anderen Künstlern schuf er die Dekoration verschiedener Paneele in den Schlossgärten auf der Insel Burano. 1911 zog er mit seiner Frau auf die Insel, wo er verschiedene Maler wie Rossi und Casorati sowie den Kritiker und Direktor der Ca’ Pesaro, Barbantini, traf.

Einige seiner Gemälde aus dieser Zeit wurden als Meisterwerke gewertet, wie Il ponte verde (1911), Cipresso Gemello (1912) und Primavera a Mazzorbo (1913).

1912 hatte er eine Einzelausstellung in der Ca’ Pesaro und in den folgenden Jahren in Rom.

Er pflegte eine tiefe Freundschaft mit Cesare Battisti und folgte ihm, indem er sich 1915 als Freiwilliger in der Trentiner Legion meldete; aufgrund seiner Fähigkeiten als Zeichner wurde er der kartografischen Abteilung an der Front im Lagarinatal zugewiesen. Im folgenden Jahr wurde er aufgrund einer schweren Krankheit ausgemustert.

Während seiner Genesung nahm er das Malen wieder auf, wobei er die Hügel des Gardasees und seine Umgebung porträtierte, beeinflusst von seinen Malerkollegen Garbari und Rossi.

Ende 1916 zog er erneut um, diesmal nach Rom, und ließ sich in einem Atelier in der Villa Strohl nieder. Er begann mit Antonio Rizzi zu arbeiten und fertigte Kartons für die Mosaike des Nationaldenkmals für Vittorio Emanuele an.

Moggiolis künstlerische Tätigkeit war sehr intensiv und abwechslungsreich: Die Farben sind heller und leuchtender, und er bevorzugt Sujets wie Figuren, Innenräume und Landschaften, die fast keinen Horizont aufweisen.

Von der berüchtigten Spanischen Grippe betroffen, starb er am 26. Januar 1919 im jungen Alter von zweiunddreißig Jahren in Rom.

Venedig ehrte ihn noch im Jahr seines Todes mit der Ausstellung seiner Werke in der Accademia und mit einer Einzelausstellung in der Ca’ Pesaro; 1920 wurde ihm auf der Biennale von Venedig eine große Retrospektive gewidmet.

Das Mart in Rovereto zeigt einige seiner Werke in der Dauerausstellung.

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Umberto Moggioli

28m²

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Virgilio Guidi

Die Leidenschaft für Geometrie und Zeichnen führte ihn dazu, in seiner Jugend in Rom sowohl Kurse am Technischen Institut als auch an der Freien Malschule zu besuchen.

Nachdem er 1908 das Technische Institut verlassen hatte, erlernte er die Malpraxis in der Werkstatt des Dekorateurs Capranesi, wo er fast drei Jahre lang als dessen erster Gehilfe blieb.

Dann schrieb er sich an der Akademie der Schönen Künste ein, ebenfalls in Rom, und studierte auch auf eigene Faust die großen italienischen Meister, darunter Giotto, Correggio, Piero della Francesca, sowie die Franzosen Courbet und Chardin. In diese Zeit fällt der Beginn einer Reflexion über die Bedeutung des Lichts in seinen Bildern.

1913 stellte er seine ersten malerischen Werke aus und gewann den akademischen Wettbewerb Lana.

Im folgenden Jahr hatte er die Gelegenheit, Werke von Matisse und Cézanne zu sehen; von letzterem studierte er aufmerksam dessen Form-Farbe.

Aus wirtschaftlichen Gründen arbeitete er 1916 für ein paar Jahre als Zeichner beim Zivilbauamt in Rom.

Aus den frühen zwanziger Jahren stammen seine wichtigsten figurativen Werke; 1922 stellte er auf der Biennale von Venedig aus und begann, auch einen gewissen kommerziellen Erfolg zu haben. Sein Tram, das heute in der Galerie für Moderne Kunst in Rom ausgestellt ist, feierte auf der Biennale 1924 großen Erfolg.

1927 heiratete er die Bildhauerin Adriana Bernardi, lehrte Malerei an der Akademie der Schönen Künste in Venedig, wo er erneut an der Biennale teilnahm, und präsentierte 1928 seinen bedeutenden Text La Giudecca.

Er fuhr fort, Reflexionen über seine malerische Forschung zu schreiben und zu veröffentlichen, stellte in Florenz und erneut auf der Biennale von Venedig aus, die er 1935 verließ, um nach Bologna zu gehen, wo er an der Akademie der Schönen Künste lehrte.

1937 wurde in New York seine erste Monografie und in Bologna das Bollettino d’Arte veröffentlicht. In dieser Zeit arbeitete er den antinaturalistischen Symbolismus des Synthetismus aus.

Während des Zweiten Weltkriegs begann er, Gedichte zu verfassen, die er jedoch erst Ende der 50er Jahre veröffentlichen sollte, und schrieb weiterhin über Kunst; in der frühen Nachkriegszeit widmete er sich mit einer Reihe von Lithografien auch der Grafik.

Er stellte dann erneut auf der Biennale von Venedig aus, wo er nun einen eigenen Saal hatte, nahm an der Bewegung des Spazialismo von Lucio Fontana und an der Ausstellung Twentieth-Century Italian Art teil.

Die thematischen Zyklen, die schon immer die Grundlage von Guidis malerischer Forschung bildeten und in den 50er und frühen 60er Jahren wiederkehrten, sind Angst, Figuren im Raum, Seestücke, Köpfe, Menschliche Architekturen, Reflexionen der Zeit, Tumulte, Kosmische Architekturen. Später widmeten sich andere Zyklen dem Baum, Aufgewühlte Figuren, Unruhige Figuren, Herde aus Herde, Der Mensch und der Himmel.

Im poetischen Bereich veröffentlichte er 1967 die Sammlung La Ragione di Essere, 1979 l’Età Improbabile und, in Zusammenarbeit mit dem Maler Roberto Colombo, Shambariben.

Venedig feierte ihn in der Stiftung Cini zu seinem neunzigsten Geburtstag; er blieb bis zu seinem Tod aktiv, der ihn genau während einer Ausstellung seiner letzten Werke in der Galerie Il Traghetto ereilte.

Seine sterblichen Überreste ruhen auf dem Monumentalfriedhof von San Michele, auf der gleichnamigen Insel in der Lagune von Venedig.

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Virgilio Guidi

30m²

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Xavier Bueno

Als Sohn eines Journalisten war er ständig mit seiner Familie auf Reisen, die sich 1925 in der Schweiz, in Genf, niederließ. Sein Talent zeigte sich bereits im Alter von fünfzehn Jahren, als er schon an der Akademie der Schönen Künste eingeschrieben war. Nach seiner Rückkehr nach Spanien mit seiner Mutter besuchte er privat sowohl Malkurse als auch die Königliche Akademie der Schönen Künste von San Fernando.

In Paris, wohin er 1937 zog, stellte er seine Werke des spanischen Realismus und klassischer Inspiration aus, die an Velázquez, Goya und Murillo erinnerten; seine Werke wurden auch in New York gezeigt. Im folgenden Jahr schloss sich ihm sein Bruder Antonio, ebenfalls Maler, in Paris an; dies war der Beginn einer zehnjährigen Zusammenarbeit zwischen den beiden Brüdern. In den 1940er Jahren zog er erneut um, diesmal nach Italien, zusammen mit seiner Mutter und seinem Bruder Antonio. Er ahnte nicht, dass dieses Ziel der dauerhafte Wohnsitz der Familie werden würde. Mit Annigoni, Sciltian und seinem Bruder Antonio gründete er 1947 eine Gruppe namens „Moderne Maler der Realität“ (Modern Painters of Reality), in Opposition zur post-impressionistischen Kritik, und schlug eine „wahre“ Kunst vor, die die Natur so treu wie möglich wiedergibt.

Die Gruppe durchlief am Ende des Jahrzehnts eine Krise, und auch die künstlerischen Wege der beiden Bueno-Brüder trennten sich. Die Neigung zu einer politisch aktiven Kunst konkretisierte sich 1953, als Bueno sich klar zur Kunst des Realsozialismus bekannte. Ebenso bedeutend für diese Jahre war die Brasilien-Erfahrung von 1954, wo er menschliche Figuren junger Bauern und Kinder mit Tusche porträtierte, regungslos in einer flachen und unwirklichen Atmosphäre; das Thema wurde zwischen den 50er und 60er Jahren mit der Serie „Kinder“ wieder aufgegriffen, ein Symbol für Unterdrückung und Erniedrigung der gesamten Menschheit. Nach der Brasilienreise änderte sich Xavier Buenos Technik und wurde als „Fresko auf Leinwand“ definiert, wegen der Verwendung von verdickenden Materialien wie Sand und Collage in figurativen Werken, nachdem er dies bereits in Stillleben experimentiert hatte.
Er starb 1979 in seinem Haus in Fiesole, auf den Hügeln von Florenz.

„Buenos Stillleben verdienen besondere Aufmerksamkeit, erhoben in den bodenlosen Raum, wo Dichte durch den Rhythmus der Objekte entsteht, einer metaphysischen Abwesenheit entrissen.“

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Xavier Bueno

32m²

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Die anderen Künstler der Locanda

Die künstlerische Bedeutung der Locanda

Kunst besteht nicht nur aus Werken. Sie ist wesentlich für jede Entscheidung, sie liegt in der Luft, die man jeden Tag im Art Hotel atmet.

Neben den Künstlern, denen die Zimmer des Art Hotels gewidmet sind, gibt es viele andere Künstler, die der Locanda Glanz verleihen.

• Feliciano Costa „Parolot“ – Bildhauer aus Moena. Das Logo unseres Art Hotels entstand aus einer seiner Holzskulpturen.
• Luigi Pederiva – ein Maler aus dem Fassatal und ein großer Freund der Familie; ihm ist ein Zimmer gewidmet, aber hier wird er erwähnt, weil der Name seines Hauses in Soraga „Locanda degli Artisti“ zum Namen unseres Hauses geworden ist.
• Jacopo Mazzonelli, Simone Turra und Matthias Sieff – Bildhauer aus dem Trentino, deren Werke die Fassade des Art Hotels prägen und die Innenräume bereichern.
• Alberto Detomas „Albo“ – ein Maler aus dem Fassatal, dessen Gemälde auf der Hauptfassade prangt. Er hat auch Depero in dem Zimmer eine Hommage erwiesen, das dem Trentiner Futuristen gewidmet ist.
• Inge Detomas – ihre Bronzeskulpturen bereichern den Wohnbereich und den Speisesaal.
• Pier Orler – Auch Fotografie ist Kunst und Orler ist ein würdiger Interpret derselben. Seine Aufnahmen auf unserer Website drücken die Essenz der Locanda degli Artisti aus und seine Snowart ist am Eingang ausgestellt.