Michele Cascella

Michele Cascella

Er begann seine künstlerische Ausbildung unter der Leitung seines Vaters und hatte 1907 seine erste Einzelausstellung bei der Famiglia Artistica Milanese.

In den folgenden Jahren, bis zum Ersten Weltkrieg – an dem er später teilnahm –, richtete er eine Ausstellung in Paris in der Galerie Druet aus und nahm am Salon d’Automne teil. Er stellte auch in Rom im Opernhaus aus und arbeitete mit seinem Vater Basilio an der „Grande Illustrazione Italiana“ mit Zeichnungen und Grafiken zusammen, wobei er auch in Mailand ausstellte.

Nach dem Krieg, 1919, traf er Carlo Carrà, der ihm half, seine in Rom in der Galleria Bragaglia abgehaltene Einzelausstellung in die Galleria Lidel nach Mailand zu verlegen, der Stadt, in der er sich im folgenden Jahr dauerhaft niederließ. Hier verbrachte er Zeit mit dem Dichter Clemente Rebora, der einige seiner Werke inspirierte.

In den späten 1920er Jahren reiste er durch ganz Italien und nach Paris und gewann 1937 die Goldmedaille auf der Internationalen Ausstellung. Zurück in Mailand entwarf er das Bühnenbild für die Oper Margherita da Cortona, die an der Scala aufgeführt wurde.

Von 1928 bis 1942 nahm er kontinuierlich an der Biennale von Venedig teil, und 1948 wurde ihm ein eigener Saal gewidmet.

Nachdem er Ende der 1930er Jahre nach Portofino gezogen war, ließ er sich später für viele seiner Werke von der bezaubernden ligurischen Stadt inspirieren.

In den 1950er Jahren schuf er rund vierzig Zeichnungen für die Società Italiana di Ceramica von Laveno. Die Serie mit dem Titel L’Italia vista da Michele Cascella wurde für die Dekoration von feinem Tafelgeschirr verwendet.

Nach dem Krieg stellte er international in Paris, Buenos Aires, Montevideo und den Vereinigten Staaten aus, wo er lange Zeit lebte, abwechselnd mit Aufenthalten in Italien, insbesondere auf dem Land in der Nähe von Colle di Val d’Elsa.

Cascellas Talent als Kolorist war schon in seinen frühen Werken offensichtlich, wie Primavera presso Ortona, Figure sulla Pescara und Trabocco di San Vito, die zu den modernsten der zeitgenössischen italienischen Kunstszene gehörten.

Später nahm sein Schaffen einen symbolistischen Charakter an, mit impressionistischen Experimenten, wie in den Werken La Giacca Rossa und Giallo e Verde (1918) zu sehen ist.

Die Definition eines „Landschaftsmalers der Dämmerung“, im Gegensatz zu den Exzessen des elitären Intellektualismus, war nicht reduktiv; vielmehr bestätigte sie Cascellas höchst persönlichen Stil, unberührt von den avantgardistischen Bildströmungen des 20. Jahrhunderts.

Cascellas Werke – nicht nur Gemälde, sondern auch Serigrafien, Radierungen, Lithografien und Chromolithografien – sind in renommierten Museen in Italien und im Ausland ausgestellt, darunter im Victoria & Albert Museum in London, im Jeu de Paume in Paris, im Musée d’Art Moderne in Brüssel und in der Galerie der Universität von Santa Clara in Kalifornien.

Von beträchtlicher Bedeutung sind auch seine Frauenporträts, die mit raffinierten prä-futuristischen Techniken ausgeführt wurden.

   

„Als Michele Cascella beschloss, Künstler zu werden, sagte ihm sein Vater Basilio, während er ihm Farben und Pinsel zeigte, dass er erst an dem Tag lernen würde, was Malerei sei, an dem er fähig wäre, die Luft zu malen. Michele hat das nie vergessen, er hat immer versucht, dieses Ziel zu erreichen. Als es ihm gelang, erzählte er es als guter Individualist niemandem. Seine innere, nie zur Schau gestellte Befriedigung genügte ihm. Ich kümmere mich weiterhin um Michele Cascella, damit seine Kunst weiterlebt.“

     

   

„Zu Lebzeiten geschmäht, weil er zu nachsichtig gegenüber der Popularität war, weil er zu ‚kommerziell‘ war, wie man zu sagen pflegte, nimmt Cascella nun seine Rache. Neunzehn Jahre nach seinem Tod hätten ausgereicht, ihn nicht nur aus den Köpfen der Kritiker, sondern auch aus denen der Öffentlichkeit zu tilgen. Aber hier ist er wieder unter uns, und wir beschäftigen uns immer noch mit ihm. Seine bewusst einfache Kunst, die sich der Identifizierung einer instinktiven Idee von Schönheit widmet, die so teilbar wie möglich ist, fast franziskanisch in der Auffassung der Bedeutung der Natur, ein Sermo communis, wo ein Seestück immer ein Seestück ist und eine Blume eine Blume.“